La Galería Ángeles Baños presentará en el programa general de ARCO 20 los últimos trabajos de Juan Carlos Bracho, Yaima Carrazana y Laura González Cabrera, junto con el Solo Project de Daniel Martín Corona. Madrid 26/02_01/03, Stand 9717/9717A
Con ayuda de la Junta de Extremadura
Con su proyecto Knee-deep Javier Arbizu participa desde el 07/02 al 26/06 en Generación 2020. La Casa Encendida de Madrid presenta un año más los proyectos seleccionado dentro de su programa Generaciones de apoyo al arte emergente. Desde el 07/02 al 26/06. En palabras del comisario, los proyectos realizados por los artistas premiados están influidos por la visión de futuros distópicos, por la oscuridad, el fanatismo y el control de la actual realidad. Sin embargo, sus propuestas se presentan como acciones de resistencia a partir del presente entendido como único espacio temporal donde ejercer el control, un presente ligado a la comprensión y el conocimiento del pasado.
Desde el 6/02 al 19/04 en la Sala Oberta del Centre Cultural La Nau de Valencia Andrés Pachón un proyecto que se acerca al archivo desde una perspectiva crítica, con el propósito de comprender sus lógicas, y como la instrumentalización de la fotografía aplicada al conocimiento del “hombre medio” es una ficción que pone en evidencia la connivencia entre saber y poder.
La Galería Ángeles Baño vuelve a esta sección de la feria Mexicana MACO comisariada por Juan Canela (España, 1980). La sección tiene como objetivo reflejar el movimiento en expansión de las narrativas históricas en el arte que han florecido durante el último milenio. Esta edición de Z (s) ONAMACO SUR se enfoca en mostrar el trabajo de artistas que han expandido y siguen expandiendo los marcos de acción en el arte, reuniendo a profesionales históricos y contemporáneos del sur global y prestando especial atención al contexto de las Américas.
Con ayuda de la Junta de Extremadura
Hasta el 2 de febrero La Sala Alcalá 31 presenta la exposición “Arquitectura y «yo»”, un conjunto de trabajos realizados por Juan Carlos Bracho entre 2003 y 2018, que abordan las relaciones con la arquitectura. Asimismo, la exposición incluye también una serie de obras concebidas específicamente para este proyecto, configurando no tanto una muestra retrospectiva como un trabajo en proceso, habitual en la trayectoria de este artista.
La obra de Bracho tiene como herramienta principal el dibujo, pero emplea técnicas o equipamientos del propio dibujo, pero también de vídeo, fotografía o de carácter performativo. Se basa en la percepción y la creación de la belleza, y su obra puede situarse en la órbita de las prácticas conceptuales.
La muestra, comisariada por Armando Montesinos, incluye tres grandes grupos de trabajos: intervenciones in situ realizadas en la sala; dibujos, fotos o maquetas de proyectos inéditos o todavía en proceso; y reencarnaciones y variaciones de trabajos pasados. A todo ello se unen los cuadernos de trabajo del artista, que se muestran por primera vez en público, configurando una exposición que no cierra ninguna lectura, sino que se abre a la experiencia del espectador, de ese “yo” que somos cada uno de nosotros.
Tutti Frutti es un ambicioso proyecto que ha ocupado a Juan Carlos Bracho (La Línea de la Concepción, Cádiz, 1970), durante los últimos ocho años, y donde, como en el resto de su producción, el conjunto asume el error y el azar como partes ineludibles de todo método creativo. Bracho, ligado siempre a procesos automatizados, repetitivos, así como a un vo – cabulario mínimo y modular de recursos gráficos, nos revela ahora una pasión por el color inesperada, al tiempo que mantiene la sobriedad, el rigor y la contundencia que le caracterizan. Desde tal posición ha abordado aquí su interés por el arte mono – cromo a partir del concepto de multipágina, ese sistema doméstico para conseguir imágenes fotomecánicas económicas y de gran tamaño a partir de la suma de nu – merosas impresiones en simples folios. El proyecto Tutti Frutti reúne en su totalidad, recogidos en varias cajas/archivadores, 100 de estos multipáginas, correspondiente cada uno de ellos a un color distinto, cuya impresión fragmento a fragmento va salpicando lo que en principio debería ser un plano de tono uniforme con numerosos errores, faltas, interferencias… El resulta – do pone de manifiesto cómo el “ruido” se impone inevitablemente a la claridad de la técnica y de la máquina en sus propios dominios; también que lo inesperado y la sorpresa son siempre susceptibles de enriquecer toda previsión, planificación o norma. En su tramo final, el plan de trabajo se vio completado con dos nuevas series, donde se reprodujo la secuencia de errores inicial: primero desde el lenguaje calcográfico, a partir de los colores primarios (cian, magenta y amarillo) más el blanco y el negro, y segundo desde la técnica del gofrado del papel, por medio de un sutil relieve sin tinta alguna. En este punto, la cadena de errores se ha convertido ya en una especie de código o lenguaje oculto. En el recorrido, el ciclo de lo manual a lo mecánico, de lo analógico a lo digital y de lo conceptual a lo material, se cierran sobre sí mismos en un viaje de ida y vuelta. Todo este conjunto de trabajos supone una reflexión sobre el color y la construcción mental del paisaje desde la abstracción más radical. Al fin y al cabo, los vínculos emocionales que establecemos con los colores dependen de lo que sobre ellos pro – yectamos, tal y como ocurre con las escenas de nuestros recuerdos. Óscar Alonso Molina, comisario de la exposición
Ruth Morán presenta sus ultimas investigaciones entorno a la cerámica y sus procesos dentro de un proyecto global que abarca formas, cromatismos y materiales. Espacio, dimensión y realidad son parámetros presentes en estas indagaciones donde la rigidez de las formas alfareras pasa a un segundo plano para potenciar efectos que retoman alusiones orgánicas, como sucede en el resto de su producción artística. Otro elemento fundamental en su dicción es el azar. Y nada mejor que los procesos cerámicos para alentar la imprevisibilidad del resultado.
Hasta el 22 de septiembre “Estudio elemental del Levante” ofrece una retrospectiva de las cinco series realizadas por el fotógrafo en el Levante, la costa mediterránea española, durante más de ocho años de trabajo. Ricardo Cases está interesado en su entorno, pero no se atiene a la función documental, solo registra hechos. Explora todas las posibilidades semánticas de la imagen. Luz cegadora, colores explosivos, objetos degradados, personajes decadentes, revela la singularidad visual de este «país ingobernable, fascinante y alucinógeno». A primera vista, las fotografías de Ricardo Cases son muy divertidas y nos permiten ir más allá de los estereotipos, obtener claves de lectura y señalar el camino a través de este territorio. Concebidas como una geografía restringida, estas imágenes, sin embargo, tienen una resonancia universal: mutaciones de territorios, nostalgia, respeto de las riquezas y tradiciones locales.
Desde el 29 de mayo al 27 de Junio Susanne S. D. Themlitz presenta una gran instalación en forma de paisaje vertical, o una naturaleza muerta como Wunderkammer. Las formas híbridas, de tipo floral, se corresponden en un sistema de estanterías y mesas con corales, piedras, lupas, objetos de vidrio y complejos dibujos detallados.
Entre fragmentos como en un laboratorio -algunos visibles a través de lentes de aumento, vidrio o agua- se muestran una serie de detalles congelados. A su alrededor casi el vacío, solo ocasionalmente aquí y allá un muro, un collage, un dibujo, una red flotante. Escultura y dibujo forman momentos entretejidos. Todo se refiere a cada uno. Anatomías delicadas y sobre todo el silencio.
